摄影教程基本拍摄注意事项

　　大家好啊！！！年年又回来跟大家探讨有关摄影的点点滴滴啦！（希望这一次的西红柿和鸡蛋扔过来的少一点，这些食材不拿去做菜怪可惜的...）
　　好了，废话不多说，我们马上进入今天的摄影干货正题
　　一、对焦原理与焦距
　　1:
　　对焦与景深
　　/ Focus and depth of field /
　　上一期说完了曝光，我们这次来看看一些原理性的内容。
　　首先是对焦，这与我们物理学过的内容类似。通过相机的对焦机构改变物距和相距，使被拍物成像清晰的过程就是对焦。
　　但是在实际操作的过程中我们会发现，在对焦后，有一部分成像是清晰的，而有一部分成像是模糊的，这是因为......你镜头不干净(并不)。
　　因为对焦后，成像在一个范围内是相对清晰的，出了这个范围就越来越模糊的。这个范围就是景深。景深（DOF）是指照片中在对焦平面前后画面清晰的部分。但这并不是一个突变的过程,即没有一个界面区分清晰与不清晰。我们只能说，在景深范围内的相，我们＂认为＂它是清晰的。
　　大景深意味着成像清晰的范围大，小景深意味着成像清晰的范围小。
　　那么又是什么决定了景深的大小呢？
　　可能很多同学都听说过＂大光圈对应小景深，小光圈对应大景深＂这句话。景深的影响因素之一就是光圈。在焦点前后，光线开始聚集和扩散，点的影象变成模糊的，形成一个扩大的圆，这个圆就叫做弥散圆。当弥散圆直径超过我们人眼的分辨能力后，在我们的脑海中这部分相变模糊了，也就是我们经常说的＂虚化＂。
　　上图中我们可以看出，在小光圈下，光线经折射后角度是比大光圈小的，那么景深变大，清晰得范围也就变大了。
　　总结一下就是，大光圈得到小景深，小光圈得到大景深。这里要特别注意的是，光圈数值越小，光圈越大。比如f/2.8光圈比f/9光圈要大。(请各学霸回忆数学高考)
　　2:
　　焦距与镜头
　　/ Focal length and lens /
　　其次是焦距。在相机中，焦距指从镜片中心到成像平面的距离。可以简单的理解为，焦距越小，图像物与物之间的距离感觉越远，变形越严重；焦距越大，我们拍到的物与物之间的距离感觉越近，显得越＂平＂。
　　根据不同的焦距即拍摄时的视角不同，镜头一般可以分为广角镜头、标准镜头、长焦镜头三种。
　　广角镜头的焦距小于35mm，顾名思义就是其摄影视角比较广，适用于拍摄距离近且范围大的景物，有时用来刻意突出前景，强化远近感以及透视。
　　△来自Thomas看看世界
　　标准镜头的焦距介于35mm和60mm之间，通过它观察到的图像与我们平时所见的景物基本相同。
　　△布列松
　　长焦镜头的焦距大于60mm，适于拍摄远距离景物。
　　△图片来自于海童
　　要注意的是，虽然人们根据焦距不同把镜头分为几类，但是焦距本身的分类没有必要限定的非常严格。因为焦距是过渡的，不是突变的。我们会说大体的焦段，而不是一个确定的焦距。
　　3:
　　白平衡
　　/ White balance /
　　最后要说的就是白平衡。大家是否有这样的体验呢？阳光下拍摄建筑的阴影部分，颜色会偏蓝，这就是当时的光线无法将物体本来的色彩反映出来。
　　为了解决这个问题，就得用到白平衡去矫正颜色，简单来说，就是色彩的还原。具体的调整方法，我们后面的教程再讲。
　　推荐大家的图像格式使用＂ＪＰＥＧ精细＋RAW＂（相机内可以调整），在这种情况下，不需要拍几张照片就调整白平衡，将它设置为自动或者固定某一个值，后期基本都可以进行二次调整，省去了很多麻烦。
　　当然，当你只拍摄JPEG格式的照片时，就在拍摄前根据当天的天气设置好白平衡。
　　二、用光与构图
　　说完了硬件部分，我们来看看前期软件方面需要有哪些准备。
　　1:
　　用光
　　/ Lighting /
　　首先我们就来看看应该如何用光。光大概可以分为五种：顺光、侧光、逆光、顶光、底光。
　　顺光让物体显得平，但色彩会更艳丽。
　　侧光更能表现出物体的材质，塑造更强的立体感。
　　逆光强调物体的结构与线条，一般在物体的形好看的时候使用。
　　而顶光更能营造出神秘的氛围。
　　至于底光，它可以用来吓人。
　　光的分类和焦距一样，不是一成不变的，没有一种光一定能适应某个场景。因此光位没有固定的说法，只有在实践中不断摸索才能找到合适的用光方法。
　　2:
　　构 图
　　/ Composition /
　　要想拍出一张完美的照片，只会用光是远远不够的，构图也是很重要的一部分。
　　构图是什么意思呢？简单地说就是选择元素对画面进行构成。
　　如果你只求拍出来的照片＂漂亮＂，那么只要记住＂抓住中心，次要元素辅助主要元素，砍掉与主题无关的东西＂就够了。一般来说，一张有主题的片子，画面整洁有逻辑，都是蛮好看的。
　　比如上面这幅作品，主要元素便是银河，画面中占据面积最大，也是第一眼看到的景物。次要元素便是人、山、远处的太阳等，它们都是作为背景而存在的，主要为了烘托画面的氛围。作者在取景的时候，有选择的避开电线杆等对于画面没有意义的东西，这便是＂砍掉与主题无关的东西＂。
　　如果你还想更深入一些，我们可以运用哪些工具来辅助构图呢？线条、影调、色相、饱和度等等都是常用的工具。我们可以通过调整这些工具来丰富我们的画面。
　　除此之外，三分法、S形分割、利用对角线等等的方法对于初学者都是非常容易上手的。
　　先学会一些基本的构图技巧，然后再去琢磨其他复杂的原理。
　　当你对基本技法熟练之后，更重要的，就是去思考构图的本质是什么。
　　下面我们来做一个练习。将右边的元素放入正方形中，力求构图＂均衡＂。
　　首先我们要知道＂均衡＂不是单指某一个物本身，而是指各种元素间的关系。因此在考虑构图＂均衡＂时，应该从元素间的关系入手。
　　总的来说，初级的构图就是综合考虑各元素之间的关系，使照片达到＂均衡＂。均衡是逻辑的体现。逻辑有层次，条理清楚，是一张好作品的基本要素。
　　三、审美的反思
　　上面讲的大都是一些方法技巧类的东西，摄影作为一门艺术必然缺少不了感性的认知。
　　若要问美是什么呢？一千个人心中有一千个哈姆雷特，美的形式千千万万，每个人的审美都是不一样的，但又是在一个范围之内的。我们要先学会＂审丑＂，才能审美。
　　你说艺术就一定是美的吗？不一定。当代美术更多是以观念、逻辑而自居的。她的画面可能不美，甚至会让你难受、感到恶心。但她的美在于作品的形成逻辑，在于作者本身的思想，这是另一种＂美＂的体现。
　　我们只有不断地拷问、不断地怀疑，才能找到自己的美学观念。在这个过程中，你会受到质疑，但一定要坚持自己。
　　最后，留三个问题给大家思考。
　　摄影要不要后期处理？
　　如何评价照片？
　　怎么看待器材决定论？
　　作者 / 年年